INTERNI. The Magazine of Interiors and Contemporary Design

Raw-Edges:设计新玩家 | INTERNI设计时代独家专访

位于英国伦敦的Raw-Edges设计工作室

近年来凭借其在设计领域的新奇“玩法”,

一次又一次地推出高品质设计作品,

成功地吸引了人们的目光。


来自以色列的雅艾尔·梅尔(Yael Mer)和夏伊·阿尔卡莱(Shay Alkalay)相遇于伦敦皇家艺术学院(Royal College of Art),2006 年毕业后,两个年轻人苦于无法找到“合适”的工作,一拍即合成立了Raw-Edges设计工作室。

作为一支年轻的设计组合,工作室成立的第二年,就赢得了迈阿密/ 巴塞尔设计的“未来设计奖”(Award for Designer of the Future, DesignMiami/Basel)。一路走来,这对组合凭借默契的配合和独到的创意,在当下的设计圈中独树一帜,带给我们一个又一个惊喜。

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▲  雅艾尔·梅尔和夏伊·阿尔卡莱。

从2006 年成立至今,细看Raw-Edges 完成的作品,不难发现其涉猎领域之广泛。如果说两位设计师毕业之时无法找到“合适”的工作,那么直到现在恐怕也无法将工作室在设计领域里找到“合适”的定位:从产品设计到家具设计,从装置到展陈设计,如此之大的跨度着实让人佩服两位设计师的把控力。当问到工作室今后的方向会不会慢慢聚焦到一个领域时,两位设计师给出了否定的答复:“与其把自己限制在一个领域,当然不如保持多方向的探索。事实上,我们也并不认为自己有能力持续专注在一个设计方向—我们缺乏专一的性情。”这种充满自信的自我否定流露出这对搭档对于探索未知领域的渴望。对于Raw-Edges 设计工作室而言,最重要的是去实验,去尝试,抱着“玩”的态度,认真地去挖掘新的可能性。两位设计师坦言:“也许这很难做到,但我们十分享受创造规则。旧有的技巧,结构,材料等等,都隐藏着无法预料的应用可能和美学体验。”

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▲  Raw-Edges 工作室早期作品之一:Stack 系列。

在普遍追求精确度的设计行业里,工作室的名字“Raw Edges”无疑让人眼前一亮。名字的灵感来源于两位设计师在中国的一段经历。在毕业四个月后,这对搭档受朋友之邀来到中国厦门,进行一系列箱包的设计和生产。与通常箱包的规则与光滑外形不同,设计师希望能够增加更多不同的肌理。为了让箱包的边缘保持原材料的粗糙,他们刻意不去加工。“四个月里我们一直在说服我们的员工:不要加工边缘!这就是最后的!”设计师笑着说,“最终这个系列没有太多成品,但是这段在中国的记忆十分珍贵,我们也得到了工作室的名字。”

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▲  为Louis Vuitton设计的Concertina Chair 的折叠系统。

虽然名字的来由被设计师当作一则有趣的故事,但从中可以看出二人最初对于自身一个重要的定位:即手工的质感。这个特点从二人早期合作的项目Volume 就可以看出。这个犹如雕塑般的设计是从制作一些小的空腔纸模型开始的,这些模型很显然不完整也没有明确的结构,但另一方面其模糊的属性和造型也成为最大的特点。小模型一方面很脆弱,另一方面又似乎拥有着几何赋予的结构特征。设计师希望把它们放大到可以使用的尺度,同时保持脆弱易损的特性。为了达到这种效果,设计师巧妙地从制作过程入手:“通常一个产品制作的顺序是:从结构开始,再到填充,最后是装饰。我们则以最终椅子呈现出的表面肌理为开端,以内部的结构—也就是泡沫填充—作为结束。”就像在制作时还未结束就被中断,这种介于完成与未完成之间的状态赋予了作品独特的美感,这种感受也只能由手工制作去实现。

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 ▲  Volume座椅,泡沫填充既充当结构也塑造整体造型。

“通过双手来实现设计是我们设计过程中非常重要的一部分;我们意识到自己的设计事实上是通过手与脑的对话来进行的。草图、草模、模型经常带给我们意想不到的结果。”设计师这样解释他们对于手工技艺的偏好。在作品Endgrain 中,这对搭档先是设计了一套新的浸染木头的方法,但是并不知道最终结果会如何。可以说,这个颇具名气的家具设计,是设计师“以手带脑”试出来的。“这就是手工制作吸引我们的地方,制作的结果有时恰巧就是我们想要的!”

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▲  作品Endgrain,圆弧面的转角处理让整个坐凳造型轮廓优雅。

 

虽然拥有着强烈的手工质感,但与传统手工艺不同的是,Raw-Edges 的作品呈现出十分精确的时髦感,这在很大程度上得益于几何元素的大量采用。如果作品Endgrain 被看作为立体的几何操作,Lake 系列和Tex 可以被视为是扁平化设计。但是这些二维作品也同样展露着设计师细腻的立体置入。作品Lake 不单单是一块纹样美丽的编织地毯,通过对于编织厚度的控制,随着人的移动和靠近,展示出动态的变换效果。

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▲  作品Lake 系列。

同样的,近距离观察Tex 系列,会发现细微的纹理在几何形状的作用下呈现出立体状态。Endgrain 更是体现出二维几何组合在三维体积雕刻下呈现出的梦幻效果。“我们的作品一直被几何元素环绕,即使有机的形态对我们而言也只是复杂的几何组合而已。”设计师这样解释道,“我们并没有做过明确的决定说要使用几何元素,但的确我们进行了很多数学的思考。”raw-edges_mutina_tex_003_hr

▲  作品Tex 系列瓷砖。

除了手工模型制作和几何元素的应用,颜色和灵活性也是Raw-Edeges的DNA 中的重要部分。这一对设计界的玩家,大胆地在各个领域中尝试不同的方法,不断地挑战着不同尺度的作品。

 

Q = INTERNI 设计时代

A = Yael Mer & Shay Alkalay

 

Q: 工作室成立至今,你们收获了很多名誉和奖项。面对工作室如此迅速的成长,有没有某些时刻或决定对你们来说特别重要?

A:自己的作品获得一些奖项,这当然十分令人高兴,它很直接地证明了我们的作品受到了旁人和客户的肯定。工作室一直都面对着庞大的设计及制作的工作量,所以对我们来说,为这些设计添加一些新奇的想法使其能顺利地推进下去就显得十分重要。我们通常在一个设计的初期会对自己提出十分严苛的问题:这个设计概念真的值得去做么?可以完整地进行下去直至生产完成么?如果答案是肯定的,相信这个方案最终会拥有自身的闪光点,引人驻足观赏,观众们也会好奇这个作品在讨论什么、是如何做成的。

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▲  在维特拉美术馆布展过程中,两位设计师结合艺术家亚历山大·吉拉德的作品特征进行的墙面纹样设计。

QRaw-Edges 成功地为一些品牌和设计师完成了项目设计,比如为路易威登(Louis Vuitton)设计的Concertina Chair, 为亚历山大·吉拉德(Alexander Girard)在维特拉设计美术馆(VitraDesign Museum)完成的展陈设计。当你们为“他人”设计时,尤其是当“他人”本身拥有着独特的个性与气质时,你们如何平衡“他人”与自身的设计特征?

A:这个问题很有趣,当我们最初为Cappellini 和Established & Sons 做设计时,它们每个品牌都有着强烈的自主性,但事实上,你不必受到品牌的限制,也不必去层层征求或采纳来自品牌的意见和许可。路易威登有着很强的品牌特点,它是至今世界上最古老的几个品牌之一,我们很喜欢它悠久的历史,及对于旅行和手工制作的专注。路易威登的确用心在经营自己对于奢侈品牌的定位,尽管我们并不觉得奢侈是最重要的。我们两个都十分渴望能够在这次设计中去创造出新的机制,而不仅仅是奢侈。最终这个椅子呈现出可折叠的状态,同时也具有与奢侈品品牌合作的特质。

而在维特拉设计美术馆中与艺术家亚历山大的合作又完全不同,展陈设计的确是要尽力去展示他人的作品,我们自身的设计则要尽量不去吸引太多的注意。在整个设计过程中,的确花了一些时间我们才明白自己的设计是展示艺术家作品的舞台,应是锦上添花,而非喧宾夺主。意识到这一点后,在之后的设计中,即使艺术家不在场,其本人似乎也参与进了设计过程。从他的作品中我们获得很多灵感,比如他对色彩的感觉,对于形式的把控,甚至强迫症的性格,我们都尽力去理解,并通过对展览去呈现出来。

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▲  艺术家亚历山大作品展室内局部效果图。

Q: 作品A Place Called Home 可以被视为建筑尺度的作品了。实际上你们完成的作品包含了各种尺度:从身体尺度到房间尺度,甚至到城市尺度。它们所讨论的对象都是完全不同的。你们对于尺度是如何理解的?在作品中又是如何控制的呢?

A:我们对不同的元素,运动、几何、色彩有着浓厚的兴趣,这些兴趣点实际上是可以应用于各种尺度的。当然在最初进入到建筑尺度时,各种复杂的问题和挑战都呈现出来。但同时我们也被这些困难启发着,它们让我们时刻保持警惕并使得设计任务变得不那么无聊。A Place CalledHome 作为一个公共装置,想要通过一种幽默夸张的方式来讨论现代的城市生活,在Trafalgar 广场的参观者并不是仅有的观众,我们希望通过行为和运动来将我们的想法传播给更多的人们。

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▲  作品 A Place Called Home,除去装置本身的概念,设计师力图创造更为灵活可变的家。


 

采访、文字/ Alven

图片/ Raw-Edges Design Studio

编辑/ 孙诗岚

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