每年九月，上海世博展览馆准时变成一座巨大的设计现场。8万㎡被切成四个主题展馆加一个人文板块，一千多个品牌、五百多位创作者、上百场论坛和二十多场特展挤在同一时空里——走完一圈，需要数天才能消化。但在密集的趋势与概念之间，有一个问题始终悬而未决：当风格被穷尽、表达被穷尽，设计的下一步究竟在哪里？

 

 

今年的Maison Shanghai摩登上海设计周H3馆，或许给出了一个值得认真对待的回答。在浦东家具家居双展的全新格局中，H3馆锚定“中国好设计的灯塔”这一坐标，第二届的策展逻辑比首届更加锐利——不追声量，不堆数量，而是把空间留给那些真正值得被看见的设计实验。Aldo Cibic、侯正光、卢志荣、晏平、张周捷、仲松——六位横跨国际与本土的顶尖大师与先锋中坚，不约而同地从空洞的符号叙事中抽身。他们以理性转向与真实提案，共同勾勒出设计在当下最笃定、也最深邃的演进轨迹。

 

当整个行业还在用视觉刺激与注意力掠夺的宏大叙事时，H3 馆的核心篇章却表现出一种罕见的“向内收敛”。这种收敛不试图以惊艳感征服观众，而是试图通过对日常的解构，重新确立设计的存在本质。

 

 

作为孟菲斯联合创始人之一，Aldo带着一种历经岁月沉淀的通透审视着当下的中国。在他看来，这片土地正处于一个前所未有的剧烈变革期——当设计的系统终于打破长久的沉寂、开始以前所未有的速度向前奔跑时，新一代的中国年轻创作者与企业家正破土而出。正是顺应着这股时代浪潮，这场由《INTERNI设计时代》、中国国际家具展览会与Maison Shanghai摩登上海设计周三方共同推向台前的重磅首展，在现场构建了一个绝妙的纵深切片。

 

 

上海博华国际展览有限公司常务副总经理/家具事业部CEO钟蓓红（左）、孟菲斯联合创始人之一、同济大学荣誉教授Aldo Cibic（中）、《INTERNI设计时代》执行总编辑、《给设计的Offer》联合策展人贺洁Jessie（右）

 

 

正如Aldo在现场所感叹的：“有趣的是，我们在这里呈现了三代人的设计切片——从已故的传奇大师Gaetano Pesce、正处于创作盛年的我们，到以蔡烈超为代表的中国新生代。”

 

 

顺着这层跨越世代的经纬步入展场，那些被克制排布的展品瞬间让宏大的叙事有了极其具象的质感。展览没有选择用密密麻麻的商业标签来堆砌声量，而是将上百件百万级收藏真迹毫无保留地呈现在眼前：从 Aldo本人充满色彩张力的作品，到米歇尔·德·卢基（Michele De Lucchi）与Gaetano Pesce的传世经典；从 Meritalia、PRODUZIONE PRIVATA、Catellani & Smith、Paola C.等一众殿堂级品牌的珍贵之作，到Aldo在中国一手孵化的全新家具品牌DG+。

 

 

而在这些国际殿堂级真迹的群星闪耀中，那个唯一的中国参展席位被郑重地交给了先锋设计师蔡烈超（MARIO TSAI）。在Aldo眼中，蔡烈超具备极其罕见的成熟原创性与高级专业度：“他的作品有着独特的标志性，这在今天的中国是独树一帜的。”这场跨越山海的同台，不仅让本土原创力量与全球设计巨匠完成了一次平等的精神交融，更无声地折射出一个事实：中国设计正在以独立的姿态，摆脱盲目的符号模仿，悄然走向世界的前沿阵营。

 

 

如果说Aldo Cibic的展览是从“物”的角度回归日常，那么卢志荣的「逸舍」则是从“空间”的角度提出了同一个命题。

450㎡的展区被组织为春庭、夏庭、秋庭、冬庭四个连续的空间序列，观众穿行其间，如同经历一场微缩的四季轮转。这不是一种隐喻性的布景——卢志荣将智能住宅技术深度嵌入空间骨架，让灯光色温模拟自然光的时序变化，让温湿度跟随人体生物节律精准调控。科技在这里不是被“展示”的，而是被“消解”的：你感受到的不是设备在运行，而是空间本身在呼吸。

 

 

展览中大量引入了美术馆级别的首发艺术品，但卢志荣的处理方式极为克制。物件不以“被观看”的姿态出现，而是作为空间节奏的一部分自然存在——一把椅子、一盏灯、一件器物，它们的功能不是吸引目光，而是让停留其中的身体感到舒适与安宁。

 

 

尤为值得关注的是他与摩根联名打造的爱神系列艺术灯。这款灯的设计初衷源于一个极其日常的场景：传统餐桌上的花束与烛台有时会遮挡人与人之间的视线。因此，爱神系列以低矮的花瓣状层叠结构、低亮度光影与香氛模块，承担的不是照明功能，而是一种“陪伴”——它通过色彩与香气的微妙变化参与空间对季节感和生活情绪的表达，让光服务于交流本身，而非凌驾于交流之上。

 

 

这正是卢志荣一贯的设计哲学在空间层面的完整呈现：美不是附加在功能之上的装饰，而是功能本身的一部分。当科技足够成熟，它应当像自然一样无声地运转，让人忘记它的存在，只感受到生活本身的质感。

在春夏秋冬的时序流转与温润科技中，设计在喧嚣的商业世界里，为我们撑起了一片诗意的栖息地

 

回到产业本身，今年的H3馆还藏着一股让人欣喜的“本土力量”。侯正光与陈燕飞，一位以竹材为切入点打通从设计到制造到生活的完整链路，一位以“四水归堂”的建筑意象重构东方居住的精神坐标——他们不约而同地证明了一件事：东方文脉不是展柜里的遗产，而是可以被当代设计重新激活、重新使用的活系统。

 

 

 

十八年，在当下这个追逐风口的行业里，几乎是一个反常识的时间尺度。多少MoreLess创始人侯正光用这十八年只做了一件事：以“少则得，多则惑”为哲学原点，持续追问现代实木家具与东方生活之间的关系。这次周年展更像是一场阶段性的自我审视——它不急着宣告成果，而是诚实地回应一个问题：这个设计，真的好吗？

 

 

侯正光的态度一贯务实。他在行业论坛上直言，粗放扩张的时代已经结束，设计的价值从“锦上添花”转为“雪中送炭”，所有产品创新必须建立在真实的生活需求之上，拒绝无理由的冗余设计。这种克制，恰恰是“少则得多则惑”在商业语境中最诚实的注脚。

 

 

而「不可居无竹」则展现了侯正光作为策展人的另一面。这是一场带有实验性质的实践展，以“刚柔共济”为主题，围绕竹设计、竹制造、竹生活三大板块，用1000㎡的展区、50+品牌、20+设计师的体量，系统呈现竹材从设计创新、工艺转化到生活方式应用的完整路径。石大宇、周宸宸、娄永琪等设计力量齐聚现场，多件作品国内首发。

 

 

值得关注的是，这个展览的野心不在“展示竹有多美”，而在回答一个产业层面的问题：竹材能否从一种“有情怀的材料”变成一条真正可落地的产业链？从设计端的形态探索，到制造端的工艺突破，再到生活端的应用场景——三个环节的打通，才是竹材真正获得当代生命力的前提。侯正光同时透露，品牌已布局海外竹家具研发，试图打通材料创新在海内外的落地路径。这让「不可居无竹」超越了单纯的策展行为，成为一次带有产业推动意图的设计实践。

 

 

如果说侯正光从“材料”出发追问东方设计的产业路径，那么由陈燕飞担纲策展、晏平倾心诠释的璞素，则从“精神”出发，追问东方居住的本质究竟是什么。

 

 

璞素的品牌名取自《庄子》“朴素，而天下莫能与之争美”。2011年创立时，“新中式”的概念尚未兴起，陈燕飞与晏平便已将品牌定位于“当代文人家居”——不是复刻古董，不是堆砌符号，而是从明式家具的造物逻辑中提取精髓，用当代的设计语言重新书写。

 

 

这次「回」主题展以“四水归堂”这一传统建筑意象为空间原点，探讨的是一种回归本心的当代居住方式。所谓“四水归堂”，是传统民居中天井聚水的格局——四面屋顶的雨水汇入中央天井，寓意“肥水不流外人田”。陈燕飞将这个建筑原型转译为展览的空间逻辑：所有展品围绕一个精神内核汇聚，而非四散陈列。

 

 

走进展览，最直观的感受是“克制”。陈燕飞将中国书法的“笔意”融入木作——早期作品致敬篆隶，骨架方正、气象中庸；近年之作则融入行草侧锋，线条流转如水，硬朗的木头呈现出宣纸般的律动。他坚持全榫卯结构，保留古法大漆、绷棕压藤、手工刨磨等苏作非遗技艺，同时对传统形制进行视觉“瘦身”，让线条更加清透利落，自然融入当代都市公寓的空间尺度。

 

 

陈燕飞对“东方设计”有自己的警惕。他曾明确表示：“我们要去除传统符号对设计的束缚，去探寻那些能引动情绪的抽象形态——比如线条的流畅变化，方圆转折构建的空灵空间感。”这种态度让璞素的作品既不是对明式家具的简单复刻，也不是对西方极简的东方包装，而是从造物逻辑的深层找到了一条属于当代的东方路径。

 

 

从品牌创立之初的“民用家具”到近年转型“艺术家具”，璞素的产品线也从大而全的覆盖转向小而精的深耕。大漆工艺、艺术雕塑感的造型表达成为核心方向，产品线延伸至茶席、香道、文房雅玩——不是在做品类扩张，而是在构建一整套可触摸、可体验的当代文人生活场域。

 

 

当设计向内回归质朴时，面对扑面而来的科技浪潮，H3馆的另一面则展现出了极具前瞻性的“激进”。

 

在AI话题最容易滑向两个极端——要么盲目崇拜，要么刻意回避——的当下，仲松选择了第三条路：坐下来，认真谈一谈算法到底能在设计的哪个环节发挥作用。

作为万物、天物品牌的创始人，仲松的设计生涯始终围绕“中国当代极简”展开。但这次展览中，他没有展示家具，也没有搭建生活场景，而是联合zoomer AI与 MUSE-AI，把展览本身变成了一场关于“AI如何介入设计流程”的实操讨论。

 

 

这正是这个展览最值得关注的地方：它不是一场技术秀，而是一份面向焦虑行业的“AI落地参考样本”。展览的核心议题极为务实——算法、艺术家、设计师与商业决策之间，究竟如何共创？不是让AI替代设计师的审美判断，而是让算法承担那些重复性、计算性的工作，释放创作者回到直觉与洞察的核心地带。仲松用“静”来回应技术洪流，本质上是在说：AI越强大，人的判断力越珍贵。

展览同期举办了以「AI在场」为主题的专场论坛，将这种讨论从展位延伸到了更广泛的行业对话中。

如果说仲松的展览在追问“AI如何服务设计师”，那么张周捷的展览则在追问一个更激进的问题：设计能否脱离设计师，自主生长？

这位同济大学设计创意学院教授、数字艺术家，自2010年创立数字实验室以来，一直在探索同一个命题——数字语境中的事物可以像自然界万物般生长变化，而设计师的工作不是“设计”一个最终形态，而是设定一套生成规则，让形态自行演化。他关注的始终是三个维度：逻辑的极简性、结果的多样性、以及结果的不可预见性。

 

 

这次特展以库布里克的科幻史诗《2001 太空漫游》为灵感，带来了MeshRare 2026全新一代钛合金漫游系列。展厅中，纯粹的黑色几何矩阵构成了视觉核心——每一把座椅表面都镌刻着标志性的黑色磨砂三角形，这是MeshRare独有的图腾，代表着Mesh三角面建模结构，也是张周捷数字设计的源头与核心基因。这些形态并非由设计师逐一建模完成，而是通过算法生成、迭代、筛选而来——设计师设定参数与约束条件，算法在规则之内自行探索形态的可能性，最终呈现出人类直觉难以抵达的复杂结构。

 

 

张周捷说，他希望这些作品是“用户愿意带上火星移民居住地的椅子”。这句话听起来像科幻宣言，但背后的逻辑极为严肃：当设计系统具备了自我递归和演化的能力，它就不再依赖某一位设计师的天赋，而是像物种一样，经历商业生存、学术筛选和文明选择的检验，自行迭代、自行存活。

从仲松将算法嵌入底层共创，到张周捷钛合金系列的火星科幻感，H3馆向我们证明：科技从来不是设计的敌人，而是通向未来的新工具。

一座展馆的分量，从来不在于它装下了多少品牌，而在于它是否敢于在所有人都在做加法的时候，安静地留出一块不被催促的空白——让那些还来不及被定义的好设计，慢慢生长出来。过去，我们总是习惯仰望远方的标尺；而如今，以H3馆为代表的设计力量，正在用“全球设计，上海发声”的声场共振，告诉世界：我们，就是自己的榜样。而本届Maison Shanghai摩登上海设计周H3馆，其实早已清晰地交出了三份关于未来的答卷：回归日常的诚实，直面未知的勇气，以及扎根自身文脉的笃定。喧嚣总会过去，但真正的好设计，才刚刚破土而出。